Los Ormonds
Con la ayuda de Smiley Wilson, los Ormonds no perdieron tiempo en conseguir su primer proyecto en Nashville en frente de la cámara. FORTY ACRE FEUD puede haber sido un musical humilde, pero Ron fue capaz de convencer a las principales estrellas del Grand Ole Opry para actuar en la película por la miseria de $ 250 por canción. «Todas las personas aquí cuando llegamos por primera vez a Nashville eran muy agradables y bonitas», recuerda June. «Todos querían entrar en las películas. Rechazamos ofertas para convertirnos en gestores personales de grandes estrellas del country, ya que nos habría atado. Queríamos la libertad de ser capaces de despegar y de ir a cualquier parte que eligiéramos». Después de levantar dinero de varios patrocinadores locales y suministradores de talento, Ron y June comenzaron a filmar su historia ligera, que involucraba un feudo de parientes country y un programa de recaudación de fondos, en el Bradley»™s Barn original, un legendario estudio de Nashville donde las estrellas van a grabar desde Patsy Cline a Conway Twitty. El reparto se lee como un quién es quién de las estrellas Opry, con actuaciones entrañables (aunque algo estáticas) de Minnie Pearl, George Jones (haciendo sincronización labial con su acompañante Johnny Paycheck), Loretta Lynn, Ray Price, Skeeter Davis, Del Reeves, Roy Drusky, y Bill Anderson, entre otros. El disc jockey de WSM Smilin»™ Eddie Hill supervisó el proceso en la pantalla, con giros cómicos por Ferlin Husky y Del Reeves. «Pienso que el mundo de Ron», dijo Reeves, que era «caliente como un petardo» en el tiempo de su gran éxito de 1965 «Girl on the Billboard». Se acuerda de Ron como un realizador muy profesional, vigilante de cada centavo.
«Minnie Pearl fue mi madre», dice Reeves, «y tuvimos esta escena en la cocina. Había algunas manzanas colocadas allí, y se suponía que iría al lavabo y me comería una manzana. Tuvimos que hacer la escena cuatro, cinco veces, y nos quedaba una manzana». Ron llamó a la acción una vez más, y Reeves estaba a punto de hundir sus dientes en la última pieza de fruta cuando la voz del director tronó: «!No te comas esa maldita manzana¡»
«Sabíamos que no estábamos haciendo Lo que el viento se llevó», recuerda Bill Anderson, cuya banda aparece en trajes tan vibrantes que son casi psicodélicos. «Lo que hicimos en retrospectiva, se erige como una de las primeras veces que se ve y se oye artistas del country. La televisión estaba todavía en su infancia y había muy poco de música country en la televisión, que la gente probablemente encuentra difícil de creer hoy en día. La radio era nuestro medio principal de exposición hasta ese momento. La película fue una de las únicas maneras para que los aficionados pusieran una cara con un nombre y sonido. Todo el mundo tuvo un montón de diversión y creo que Ron la trajo para nosotros. Recuerdo el día que fuimos al granero de Bradley para filmar. Todo el mundo estaba un poco nervioso de hacer algo así, por primera vez, pero Ron era muy bueno con las personas que te relajaba».
Anderson evalúa con precisión FORTY ACRE FEUD como «una excusa para mostrar una gran cantidad de música con una historia secundaria». En ese tiempo, la experiencia de la música country con película (fuera de los westerns) era limitado. Roy Acuff había aparecido en algunos programadores hayseed en la década de 1940 para Republic Pictures, Ormond había hecho los dos musicales de country para Lippert y estaba COUNTRY MUSIC HOLIDAY (58). Pero a mediados de los años 60 se abrieron las puertas a decenas «haybalers» de bajo presupuesto y de alto rendimiento. Lanzada en el 65 al éxito de taquilla en autocines rurales, lo que dio a ganar miles de dólares en un solo fin de semana, FORTY ACRE FEUD demostró una audiencia para películas de bajo presupuesto de la música country. También definió la fórmula del humor entrelazado con la música country que más tarde garantizó el éxito de televisión de HEE HAW.
Antes de 1966, los Ormonds habían transformado su hogar campo de batalla en un pequeño complejo de estudios. Durante la producción, contrataban personal de marketing adicional, que podían ayudar a June en reservar la película en todo el país. Por la mañana, los empleados recibían instrucción rigurosa de June, que les aleccionaba sobre todos los aspectos de la distribución de películas independientes. Por la noche, Ron hacía tomas nocturnas, ensayaba con los actores, y editaba. No contento araba el mismo terreno dos veces seguidas, Ron estaba decidido a hacer una épica del bosque virgen con un impacto más dramático. Los Ormonds habían identificado tres ingredientes de éxito seguro para los negocios en el circuito de autocinemas en el sur: coches rápidos y mujeres sexis en WHITE LIGHTNIN’ ROAD, y un grupo de estrellas rentables country en FORTY ACRE FEUD. En un golpe de inspiración, los Ormonds decidieron combinar todos ellos. Antes de que tuvieran un guion, se ideó un título que prácticamente se consumió a si mismo en las marquesinas de los autocinemas: THE GIRL FROM TOBACCO ROW.
THE GIRL FROM TOBACCO ROW abre cuando un convicto, Snake Richards, quiebra rocas en una cadena de presos de una prisión. Antes de que el título pueda incluso aparecer en la pantalla, se produce un intento de fuga, y el compañero de celda de Snake, Cully, recibe un disparo de escopeta en la espalda. Cully esta a punto de morir, pero no antes de decirle a Snake de la localización de $ 100,000 de un botín oculto. Snake se dirige a las colinas. Cuando un trío de ladrones busca el botín, Snake se engancha con un predicador amable, su joven hijo impresionable, y sus dos pequeñas hijas núbiles: la chica buena, Rita, y su hermana salvaje Nadine, que se describe en el libro de prensa de Ormond como «Â¡una chica más salvaje que un cerdo en un huerto de melocotones!, una criatura vivaz y voluptuosa cuyo propósito en la vida es el hombre… ¡Cualquier hombre!»
Los Ormonds una vez más abastecieron su elenco con talento local. Para el papel de Snake Richards, los Ormonds contrataron a Earl Sinks, el yerno de sus amigos Smiley y Kitty Wilson. Sinks, de Texas, había sido brevemente un miembro de los Crickets justo después de la muerte de Buddy Holly. Smiley, sabiendo que Earl tenía un deseo vivo por la actuación, lo presentó con los Ormonds, y Ron pensó que Earl tenía una cualidad James Dean. Él delineó a Snake con Earl en mente. Earl, a su vez, adoptó el nombre de su personaje como su nombre artístico. Rita Wilson, esposa de Earl, fue elegida como el interés amoroso «mudo» de Snake bajo el nombre de Rita Faye. Otro actor se encontró cerca de la casa: el joven Tim Ormond, quien fue seleccionado para interpretar el niño que se hace amigo del preso fugado. Tim recuerda la experiencia como uno de los puntos culminantes de su infancia. «Me encantó», dice Tim. «No fui a la escuela por dos o tres semanas, mi padre era el director, y llegué a conducir un Corvette Stingray ¿Qué podría ser mejor?»
En el papel de Blinky, un gánster que entrecierra los ojos con frecuencia y agita una pistola, Ron utilizó al futuro presentador de televisión de Nashville Network Ralph Emery, en ese entonces un dee-jay de WSM con poca experiencia en la actuación. «Siempre pensé que la única razón por la que me dieron un papel en la película era que podía promoverla en mi programa de radio», señala Emery. En ese entonces Emery y la estrella del country Tex Ritter dirigían un programa de radio de toda la noche en WSM, y Ormond firmó a Ritter interpretando al predicador. Ritter tomó en serio su papel, llamando a su propio pastor entre las tomas para que lo orientara. Sus demandas eran pocas. «Una cosa en la que Tex insistía era en un almuerzo caliente», recuerda Emery. «No creo que hubiéramos conseguido uno de otro modo». La filmación comenzó en el lote principal de la Organización Ormond: el patio trasero de los Ormonds. En su libro More Memories, Emery recuerda el rodaje de una escena de lucha que le obligaba a lanzar una piedra a su oponente. Los Ormonds ahorrativos no quisieron gastar en una roca de papel maché usando un verdadero trozo de hormigón, que un Emery gruñendo lanzaba a un aterrado miembro del reparto. En una escena crucial de tiroteo, Ron se dispuso a filmar, sólo para encontrar que no había traído un arma de fuego. Emery con calma se dirigió a su coche, sacó una pistola del piso, y se la entregó abierta al director.
En retrospectiva, THE GIRL FROM TOBACCO ROW sirve como una especie de suma del trabajo de los Ormonds. Están presentes los elementos habituales explotables: armas, chicas, chistes, sangre derramada, y buena música country.
Pero la película también contiene trazas de una fijación espiritual que perseguiría toda su vida a Ron Ormond.
A pesar de todo su sexo y violencia, la película reafirma la necesidad de la religión y la autoridad moral de la iglesia: la acción llega a su clímax a los pies del altar de una iglesia, cuando Snake encuentra la salvación en la muerte. THE GIRL FROM TOBACCO ROW proveía una extraña mezcla de bosque virgen, melodrama morboso e instrucción espiritual seria. Sólo anticiparía el trabajo por venir.
La otra pasión de Ron Ormond fuera de su familia y de las películas provenía de la aviación. Recibió el grado de coronel en la reserva de la Fuerza Aérea a finales de 1940, y más tarde sirvió como comandante adjunto del ala de la Patrulla Aérea Civil en California. Incluso poseía un pequeño avión de pasajeros, un avión Navion que fue propiedad de Frank Sinatra. (Era un regalo de Robert Lippert). Pero ni siquiera esa experiencia lo habría preparado a él y su familia para el incidente que se produjo en el camino a la premier en Louisville de THE GIRL FROM TOBACCO ROW en 67. El show en Louisville iba a ser un acontecimiento de gala para los estándares de Ormond. Las apariciones personales eran un captador de audiencia infalible, y los Ormonds habían alineado gran parte del elenco para el estreno, incluyendo a Tex Ritter, Earl «Snake» Richards, Rita Faye, Gordon Terry, y Johnny Russell. Ron, June, y Tim planearon volar en avión hasta Louisville, en el momento del espectáculo.
Acababan de despegar de un campo de aviación cerca de Nashville cuando su avión de un solo motor se sobrecalentó. En un instante aterrador, el avión se estrelló en un prado de vacas cerca de Donelson, Tenn. «Fue extraño», recuerda Tim. «Miré, y mi mamá y papá estaban simplemente tumbados allí con escombros por todas partes». Ileso, Tim pasó por encima de una valla en busca de ayuda, hiriéndose en el proceso. Todos sobrevivieron milagrosamente, pero las lesiones extensas mantuvieron a Ron y June en el hospital durante seis semanas.
Para Ron Ormond, el accidente de avión se convirtió en una epifanía que cambiaría por completo el rumbo de su vida y películas. «Después del accidente de avión, de hecho, cada vez que se acercaba a la muerte, se veía obligado a mirar su vida de otra manera», observó Tim. Ron siempre se había considerado un buscador en el sendero de la verdad universal. El accidente fue una señal directa de que Dios tenía otros planes para la Organización Ormond.
Aun así, los Ormonds tenían una obra maestra final de explotación que quedaba en ellos. A finales de 1960, las películas de explotación se habían hecho progresivamente más escabrosas. Los ingresos brutos de las películas de Herschell Gordon Lewis o Russ Meyer eran imposibles de ignorar. Los Ormonds odiaban el trabajo de ambos directores, pero con el espíritu del típico feriante, decidieron vencerlos en su propio juego. Monstruos, strippers, la película prácticamente se vendería a sí misma. En caso de que alguien no recibiera el mensaje, los Ormonds dieron a la película un título imperdible: THE MONSTER AND THE STRIPPER.
Por pura sordidez y derramamiento de sangre, el resultado, también conocido como THE EXOTIC ONES (68), no tiene igual en la obra de Ormond. Situada en Nueva Orleans, que sólo aparece en un prólogo Meyer-esque y en el epílogo, THE EXOTIC ONES se refiere a un dueño del strip-club, Nemo (interpretado por un Ormond con peluca bajo su nombre real, Vic Naro), que captura a un monstruo como el hombre de las cavernas en los pantanos de Louisiana. Nemo planea exhibir la criatura en su club, pero el monstruo se escapa, rasgando el seno de una stripper y aplastando el cráneo de Nemo (como observa uno de los personajes) «como un melón maduro». Una cosa es cierta: THE EXOTIC ONES es sin duda la película más salvaje alguna vez filmada en una planta de producción Metodista. (Cuando se le preguntó si la gente de Trafco sabía lo que los Ormonds estaban filmando, Tim sólo sonríe). Ron y June redondearon el elenco con bailarines exóticos dirigidos por Georgette Dante. Frente a un set de «club nocturno», cada desnudista realizó su acto de especialidad en colores estridentes y música elegante «libertina», mientras que los Ormonds mantenían las cámaras rodando.
«Tanto Ron como June fueron a Nueva Orleans para encontrar strippers para la película», recuerda Tim. «Había parientes en Nueva Orleans que conocían a uno de los propietarios del club. El dueño del club presentó a los dos como productores de cine a las strippers». Una de las strippers más sorprendentes fue Titania, descrita por Tim como una mujer fuerte y afilada. «Titania creció como una feriante, que viajaba con su madre, llevando a cabo un acto de striptease en los carnavales y eventos en todo el país», recuerda June. «Si bien es una forma diferente de espectáculo, no obstante era negocio». Ella siguió siendo una amiga de los Ormonds durante muchos años después y les envió una tarjeta de condolencias tras la muerte de Ron. Otra de las strippers fue nada menos que June Ormond, quien retomó una danza de los abanicos de sus días de vodevil.
En cuanto al monstruo, Ron notó que su vecino de al lado, el imponente cantante de rockabilly Sleepy LaBeef, entonces un artista de grabación de Columbia, encajaba en el cuerpo que tenía en mente. «Â¡Fue Encasillamiento!» rugió LaBeef, cuya carrera como una potencia rockabilly continúa en su cuarta década.
Durante tres semanas, LaBeef acechó alrededor de un pantano cerca de Tullahoma, Tenn., en un taparrabos y peluca, mirando a través de arbustos y gruñendo con dientes irregulares falsos. Fue LaBeef quien más contribuyó al momento más infame de la película, cuando el monstruo le arranca el brazo a un perseguidor y lo golpea hasta la muerte con él. El perseguidor fue interpretado por Cecil Scaife, un famoso ejecutivo de música de Nashville y hombre de Sun Records PR quien en ese momento trabajaba para Columbia. (Su hijo, Joe Scaife, produjo el éxito de taquilla de Billy Ray Cyrus «Achy Breaky Heart»). Un artista aporreador de Columbia, un ejecutivo de Columbia con su propio brazo con sangre, bueno, la vista es sin duda apreciada hasta este día por cualquier persona que baje la etiqueta. LaBeef también ocupó un lugar destacado en otra escena impactante, en la que el monstruo muerde la cabeza de un pollo y se frota a sí mismo con su sangre. Tim dice que LaBeef no mató a la gallina; esa tarea se la dejó a Titania, que rápidamente retorció el cuello del ave fuera de cámara y la arrojó de nuevo al monstruo. La edición hizo el resto.
La película se abrió al negocio de los asesinos. La alguna vez cerebro de las giras, June organizó sesiones de autógrafos en autocines en todo el Sur. Ella, Ron, Tim, Titania, y otras estrellas aparecerían en el puesto de comida entre los espectáculos para que el público los conociera y saludara. «La gente estaba feliz de ver a cualquier persona que daba un paso fuera de la pantalla», recuerda June. Sin embargo, los problemas relacionados con la distribución y el financiamiento independiente deterioraron a los Ormonds en el cine de explotación para bien. Después de ser testigo de primera mano de los caprichos y la disminución de los rendimientos del negocio vacilante de la explotación, Ron Ormond decidió dedicar su vida y talento a Dios. Fue entonces cuando los Ormonds entraron en el capítulo más extraño de su fascinante carrera.
En lugar de tratar de explicar lo inexplicable, Ron aceptó la supervivencia de su familia frente a una muerte segura como la Providencia y convirtió sus creencias metafísicas para hacerse en un cristiano devoto. Un segundo aterrizaje forzoso en 1970, esta vez menos azaroso, sólo endureció su resolución. Ron quiso dedicar su vida al Señor, y surgió la oportunidad de utilizar sus talentos en el cine para difundir la Palabra. Inspirado por un conocido mutuo, Monty Stanfield, Ron fue presentado a un predicador Bautista del Sur llamado Estes Pirkle, quien dirigía una congregación en New Albany, Mississippi. Un hombre severo que se parecía a Ross Perot que predicaba sobre el infierno y el azufre espeluznantes en una voz monótona inquebrantable, Pirkle estaba intrigado por la idea de utilizar las películas para llegar a una congregación más amplia.
«Mi padre y él se reunieron en el vestíbulo de Dallas (Love Field) por primera vez, deambulando hasta que se encontraron uno al otro», recuerda Tim. Después de una reunión de mentes, decidieron proceder con la primera película. Pirkle elevó el presupuesto microscópico mediante la búsqueda de contribuciones de los fieles en sus viajes; los «inversores» afortunados serían utilizados como extras o actores secundarios. Pirkle estaba bajo la impresión de que Ron iba a filmar simplemente uno de sus sermones. De ninguna manera. Lo que Ron hizo es la pieza más confusa, de presupuesto de cosecha propia, de surrealismo consciente jamás filmada: una obra imponente titulada IF FOOTMEN TIRE YOU, WHAT WILL HORSES DO? (71). Una visión indescriptible de lo que ocurriría en Estados Unidos si los comunistas sin Dios se hicieran cargo, FOOTMEN utiliza cada truco de explotación jamás concebido, sólo que los usa, paradójicamente, al servicio de Dios. Las escenas esenciales incluyen cristianos siendo adoctrinados, torturados, violados y asesinados, por lo general por Cecil Scaife, que interpreta a un «comisario» ruso lascivo con patillas, papada y un acento indeterminado. En una escena, a los niños se les perfora los tímpanos con lanzas de bambú para que no puedan escuchar la palabra de Dios. Otra escena revela las insidiosas técnicas de lavado de cerebro de los comunistas: practicantes de edad avanzada se ven obligados a sentarse en sillas plegables en un lote vacío, mientras que los altavoces suenan, «El comunismo es bueno… el comunismo es bueno… El cristianismo es estúpido»¦ El cristianismo es estúpido…! (la banda Negativland supuestamente sampleo esta joya oratoria en una grabación). En el clímax, cuando un pobre muchacho no puede renunciar a Jesús, él consigue que le corten la cabeza con un machete.
A pesar de que la sangre se ve como si alguien derramara esmalte de uñas rojo, y las actuaciones de los feligreses funciona mientras el talento en cámara se ve increíblemente rebuscado, los eventos manchados de sangre y el intranquilo tono sombrío envían a los espectadores impresionables gritando por el altar. «Duz that shawk yew?» dice Pirkle arrastrando las palabras a su congregación en pantalla, que se estremeció como el pudín. Ron estaba haciendo películas para asustar a la gente, literalmente, hasta el infierno y él tuvo éxito más allá de todas las expectativas. La Organización Ormond hizo un total de tres películas para Pirkle con presupuestos minúsculos, y cada una de ellas era una «ganadora de almas», un término para las películas que se mostraban en las iglesias rurales de todo el Sur e inmediatamente seguidas por un llamado al altar. El número de pecadores convertidos reemplazó a los ingresos brutos como la medida del éxito.
En este sentido, THE BURNING HELL de 1974 fue un éxito de taquilla. En este espantoso drama espiritual, Tim Ormond aparece como un motociclista cuyo compañero motorista denuncia a Jesús y es decapitado con prontitud en un accidente. Tim hace su camino a la iglesia del Rev. Pirkle, donde entre lágrimas le pregunta al ministro si su amigo se va a ir al infierno. Siempre la voz de la caridad cristiana, Rev. Pirkle lo consuela, respondiendo que sí, que su amigo, probablemente, se está rostizando en un ardiente tormento en ese mismo instante. Un colega de Ormond estima que «más de un millón de almas» llegaron corriendo a dedicar sus vidas a Jesús después de ver las películas de los Ormond. La ironía es que las películas religiosas de los Ormonds para Pirkle, que reproducen la pasión por la pasión de los abismos, fueron aún más morbosas que sus epopeyas Drive-In. (Sin el conocimiento de Tim y June, Diane Keaton utilizó escenas de las epopeyas religiosas Ormond en su documental HEAVEN). Para Ron, era una prueba más de que la realidad funciona de forma misteriosa. THE BURNING HELL se exhibió tan reciente como el pasado otoño en el Columbus, Ohio Free Christian Drive-in.
Cecil Scaife acredita el éxito de estas primeras producciones religiosas a la habilidad de Ron como director de explotación. «Ron era rápido y no perdía el tiempo», recuerda Scaife. «Lo tenía calculado y todas sus locaciones fueron cuidadosamente elegidas. Él tenía el típico aspecto de director de Hollywood, carismático y guapo, lleno de energía. Ron y June eran como un equipo de perforación de precisión». Los Ormonds finalmente tuvieron un altercado con Pirkle, que habría recibido todo el dinero de las películas. «No participamos en el reparto de beneficios», señala Tim. La ruptura con Pirkle ha dejado el copyright de las películas en el limbo hasta nuestros días.
Sin embargo, poco después, los Ormonds fueron contactados por el Dr. John R. Rice, un fundamentalista de Murfreesboro, Tenn., Ministro y director de la publicación religiosa The Sword of the Lord. Rice invitó a Ron y Tim a acompañarlo en un viaje a Tierra Santa y los Ormonds escribieron una historia en torno a las imágenes, que se convirtió en una película titulada THE LAND WHERE JESUS WALKED. Rice se mostró satisfecho con el resultado, y él presentó a Ron y Tim a dos compañeros ministros de renombre que conocían bien el poder de los medios de comunicación para ganar almas. Sus nombres eran Jerry Falwell y Jack Van Impe. «En términos generales, al menos en los círculos bautistas, tener un nombre de predicador en la película ayudaba a que fuera exhibida en las iglesias», recuerda Tim. «En su mayor parte, conocíamos (a Van Impe y Falwell) socialmente, y fueron muy amables con nosotros. Jack Van Impe tenía una tremenda memoria y podría citar cualquier verso de la escritura a solicitud. Mi padre apreciaba esta virtud. Jerry Falwell tenía una buen sentido del humor y generalmente nos reíamos cuando estábamos a su alrededor». Aun así, Tim recuerda, que la conversación rara vez se volvió a cuestiones religiosas o políticas. «Era mejor permanecer en terreno neutral», dice.
Para su próximo proyecto para Rice, los Ormonds hicieron el acertadamente titulado THE GRIM REAPER (76), una película de terror religioso que contó con Van Impe y Falwell, más June en maquillaje espantoso como «la bruja de Endor». «Nunca olvidaré cuando filmamos THE GRIM REAPER en Mississippi», dice Scaife. «Ron consiguió esta gran cantera de grava y la llenó por completo de neumáticos viejos y les prendió fuego. Era increíble el efecto que tenían estos neumáticos en llamas. Se veía como la reencarnación del infierno». El humo de los neumáticos en llamas llovió un montón de hollín sucio sobre los actores y directores de cine, dejando a toda la tripulación con la cara negra al cierre de la filmación.
Ron Ormond dedicaría los restantes 10 años de su carrera en el cine para hacer películas religiosas, con un promedio de casi una película por año. Sus viajes espirituales le llevarían a Tierra Santa y otros terrenos sagrados. El mayor placer de Ron venía de trabajar en estos proyectos religiosos con su esposa e hijo, como lo había hecho en las películas de explotación. De Ron, Tim aprendió de primera mano los secretos de la creación de películas con un presupuesto limitado, reciclando filmaciones existentes de otras películas a reclutando extras de las congregaciones de la iglesia para las películas religiosas.
En 1980, el espectro del cáncer de Ron volvió a aparecer. Pasó el último año de su vida trabajando en IT’S ABOUT THE SECOND COMING (81) con Tim, a pesar de su severo dolor y sufrimiento. «Estábamos muy cerca durante ese tiempo», recuerda Tim. «Incluso con tanto dolor como el que tenía, estaba lleno de ideas y consejos. Él siempre estaba entusiasmado con hacer una película». Por desgracia, sería su última. Ron murió el 11 de mayo de 1981. Fue enterrado en silencio en Bill Rice Ranch en Murfreesboro después de un funeral en la capilla de Broadway. Y cuando terminó un viaje, otro comenzó. Tres días después del entierro de Ron, comenzó el rodaje de IT’S ABOUT THE SECOND COMING. Esta vez, el Ormond en la silla del director era Tim.
Durante la producción de THE SECOND COMING. Tim orquestó lo que sería su más caro tiro hasta la fecha. En un rancho de caballos privado cerca de Percy Warner Park de Nashville, docenas de caballos blancos que llevaban jinetes en ropas blancas brillantes fueron ensamblados en formación, con el fin de captar la visión de Cristo a caballo por los cielos blandiendo una espada. A la orden de Tim, el actor que interpretaba a Jesús cargó hacia adelante sobre su montura. Sus soldados montaban detrás, sus ropas en blanco brillante. Cuando la majestuosidad del espectáculo paralizó al reparto y equipo, el estado de ánimo fue repentinamente interrumpido por el crepitar de una sirena de la policía. Se había recogido la transmisión de un guarda parque cercano, y su mensaje de pánico llegó alto y claro: «Â¡Alguien está aquí haciendo un comercial para el Ku Klux Klan»!. En algún lugar en el cielo, Ron Ormond sonrió.
La Organización Ormond continuó haciendo películas en ausencia de Ron, pero el mercado había cambiado tanto que las producciones eran menos y más lejanas entre si. Aparte de los autocines, ellos mismos una raza en peligro de extinción, los principales puntos de venta de las películas de Ormond eran Roadshow de compromisos, que existen ahora sólo en los recuerdos. Cuando los Ormonds se trasladaron a Nashville en 1965, había seis autocines locales en funcionamiento: el Crescent, Skyway, Colonial, Lebanon Road, Warner Park y Montague. En el momento de la muerte de Ron en 1981, sólo quedaban dos, el Skyway y el Colonial. Dentro de cinco cortos años, ninguno permanecería en el área de Nashville-Davidson County. «No te quedes con la marca de un hombre de bajo presupuesto», aconsejó Ron Ormond a su hijo, «porque es difícil salir de ese nicho. No conseguirás un trabajo. Permanece en casa y trabaja en tus propios proyectos». Tanto June como Tim han seguido trabajando para mantener vivo el sueño de la Organización de Ron Ormond.
Uno de los proyectos favoritos de Tim de la era post-Ron es TRIBUTE TO HOUDINI, que se refería a tres de los temas principales de la carrera de los Ormonds: la magia, el espiritismo, y el espectáculo. La estrella, un amigo de toda la vida de Ormond llamado John Calvert, había aparecido en muchas películas, incluyendo MARK OF THE WHISTLER (44) de William Castle. «Ron decía que John Calvert vivió la vida que Errol Flynn interpretaba en la pantalla», dice Tim. «John llamó a la casa justo después de que Ron murió y estaba angustiado por su muerte. Él nos visitó una semana más tarde, la primera vez que lo vi desde que era un niño. Me invitó a tomar una travesía por el océano con él a bordo de un barco que había construido, bien llamado «˜Magic Castle»™. Yo aproveché la oportunidad y me encontré en las Islas Gran Canarias, listo para una aventura. Tres meses más tarde, llegué a casa con muchas historias que contar». Tim utilizó a Calvert en dos de sus primeras películas después de la muerte de Ron, THE SECOND COMING 1981 y THE SACRED SYMBOL de 1984.
A mediados de la década de 1980, Calvert navegó su barco por el río Cumberland y se acopló al Nashville Rock Harbor Marina. «Buscando algo que hacer, para ganar dinero y ocupar el tiempo, hablamos de hacer una magia espectacular», dijo Tim. Con su antecedente en los escenarios, June estaba encantada con la idea. Después de años de desarrollo, utilizó su dinero para financiar TRIBUTE TO HOUDINI, con la esperanza de interesar a HBO. Eso no sucedió. «Teniendo (mala) suerte, William Shatner salió con algo concerniente a Houdini, creo producido por HBO, al mismo tiempo», recuerda Tim. «Eso disparó a nuestro proyecto en el pie. MPL Inc. distribuyó el producto por un tiempo en 1990, pero las ventas no fueron grandes. Todavía existe y es muy popular en Inglaterra, donde el mismo John es muy popular, y en las Filipinas».
Tim se ha mantenido de manera constante empleado en la producción de vídeo, trabajando en videos para, entre otros, Garth Brooks, Clint Black, Martina McBride, y Johnny Cash. También está produciendo una película independiente, Out Of The Square, una comedia de humor negro escrita y dirigida por el dramaturgo de Nashville Syd Lovelace. Ya se han filmado trece minutos de material utilizable, y los realizadores seleccionaron la filmación para los posibles inversores en el mercado internacional de cine en Nueva York el pasado otoño. Tim también está reescribiendo uno de los guiones no producidos de Ron, All Of The Dead Are Strangers, que describe como «una novela con un toque de misterio».
Sin embargo, los aficionados de Ormond serán más felices sobre una nueva película, BLOODY FRIENDS AND MONEY, que reúne por primera vez a Tim y June cinematográficamente en más de una década. En la primavera del 96, Tim fue abordado por Armanda Costanza, una destacada directora de fotografía de Nashville que dirige uno de los mayores proveedores de la nación de cámaras Arriflex. Costanza quería hacer su debut como directora con una película de terror, y ella le preguntó Tim si tenía alguna idea de guion. Tim respondió con la historia de un club de película de terror que se reúne en un complejo desolado para un atractivo fin de semana de fiesta, sólo para descubrir una pesadilla de traición, derramamiento de sangre, y asesinato.
El verano pasado en una iglesia abandonada en Nashville un tiroteo comenzó la película, que presenta clips espeluznantes de anteriores películas de Ormond. Jim Varney firmó un contrato para un papel memorable horripilante como un viejo marino arrugado, y Costanza redondea un gran elenco de víctimas jóvenes atractivas. Sin embargo, quien se roba cada escena, es June Carr Ormond, que interpreta a una gerente de restaurante con horribles visiones psíquicas. En el set, June agasajó a Costanza y al equipo con anécdotas sobre sus días de vodevil, e incluso a sus 80 años se pegó a sus líneas como una profesional consumada. La película está editada, y los productores están actualmente alineando un distribuidor.
Además, Tim y June están colaborando en un libro acerca de cómo vivir hasta los 100. Los Ormonds supervivientes también están activos en internet con el fin de promover proyectos futuros. June tiene su propia página, y Tim está digitalizando clips de las viejas películas para que una nueva generación las disfrute. June sigue siendo muy aguda, con un ojo hacia el futuro. Como octogenaria, aún alberga varios proyectos de nuevos sueños, entre ellos un guion que ella llama The Return of Bela Lugosi. Pero con la expansión del interés en las películas de culto, los clásicos de explotación de Ormond están en la demanda una vez más. En el Sinking Creek Film/Video Festival en Nashville el pasado otoño, un programa doble de THE EXOTIC ONES/THE GIRL FROM TOBACCO ROW trajo más de 200 cinéfilos incondicionales al teatro campus de la Universidad de Vanderbilt. A medida que la multitud rugía su aprobación por el melodrama de miembros arrancados y bosques vírgenes escabrosos, Tim y June Ormond sonreían con alegría.
June siempre supo que tenían una buena cosa. «Deliberadamente me aferré a nuestras películas porque siempre creía que tenían un gran valor», dice ella. «Algunas de las cartas que recibo de gente en este momento nos dicen que las películas Ormond son muy superiores a todos las otras independientes. Queríamos manejar nuestras películas porque sabíamos que eran buenas. Una gran cantidad de veces superamos en ganancias a nuestros competidores debido a que creíamos en lo que estábamos haciendo. La fe es por lo que vivimos. Quiero vivir para el año 2000. Quiero ver lo que va a pasar. Realmente creo que vamos a ver algo más inusual».
Para Tim, los archivos de la Organización Ormond son algo más que un catálogo de títulos. Son toda una vida captada en la película. En WHITE LIGHTNING ROAD, Tim aparece como un niño pequeño. Unos años más tarde, en THE EXOTIC ONES, es un estudiante de secundaria. Cuando se hizo THE BURNING HELL, Tim se ha desarrollado completamente, y la imagen de alguna manera siempre hace llorar a su madre. En las películas de la Organización Ormond, siempre tendrá las imágenes de sus padres, Ron y June Ormond, en su mejor momento vigorosos, eternamente jóvenes, para nunca envejecer o desvanecerse. «Nunca se me ocurrió que otras personas no vivían así», dice Tim Ormond, con una sonrisa de asombro genuino. «Tengo las mayores películas caseras en el mundo».
(Algunas partes de este artículo aparecieron por primera vez en el semanario alternativo Nashville Scene). Gracias a Mark Goodman, Pat Slusher, Bob Pontes, Kiki Steele, Dwayne Walker, Terrance J. J Wharton, y John Hudson.
