Ron Ormond
La «primera familia de Cine» de Nashville: (i-d) Ron, Tim, y June Ormond en una proyección de película, alrededor del año 1966. (Foto cortesía de Tim Ormond)
Descripción general
Nacido como Vittorio Di Naro (también conocido como Vic Narro), Ron Ormond (1910 – 1981) es uno de los pocos héroes anónimos de la época del autocinema de explotación[1]. Aunque sus películas fueron contemporáneas a directores como Russ Meyer y Herschell Gordon Lewis, no han logrado el mismo culto. De acuerdo con Michael Weldon, autor de Psychotronic Encyclopedia of Film, las películas de Ormond pueden ser consideradas a la par con estos directores; sólo necesitan llegar a un público más amplio.
Mientras que su carrera se extendió desde películas B western potboilers a películas inconexas de la selva promocionando relaciones humanas con gorilas y apariciones de híbridos araña/humanos, las contribuciones más interesantes de Ormond provienen de sus últimos años en lo que sólo puede ser llamado «Christploitation». Un showman de corazón, Ormond produjo y dirigió cerca de cuarenta películas entre 1948 y 1979; también se le conoce como autor, mago e intérprete de vaudeville. Para el escenario, adoptó el apellido de su amigo cercano y compañero mago, Ormond McGill. En 1935, conoció a su esposa, June Carr (1912 – 2006), que era una conocida bailarina y cantante de vodevil. Juntos, crearían un equipo altamente efectivo produciendo y promocionando películas roadshow en autocines a lo largo del Sur de los EE.UU.
Después de su matrimonio, Ron y June viajaron por todo el Sur y finalmente se instalaron en el sur de California. En 1945, Ormond se estrenó en la industria del cine como director técnico en The Shanghai Cobra (también conocida como Charlie Chan in the Shanghai Cobra). De acuerdo con David D. Duncan y Jim Ridley, escribiendo para Nashville Scene en abril de 1996, «Un encuentro casual con Lash LaRue lo llevó a una gira promocional por carretera. Esa gira, a su vez, condujo a Ron a cruzarse con Joy Houck, padre, y Francis White, con quienes fundó Howco, una compañía de cine floreciente que contaba con la cadena Consolidated Theatre entre sus participaciones en el Sur. «Ron ofreció a la pareja un guion que había escrito para Lash LaRue, Dead Man»™s Gold (1948). Ormond puso en marcha rápidamente su carrera cinematográfica con la aprobación del proyecto por Howco.
Ormond se enganchó rápidamente y comenzó a escribir y, finalmente, producir una multitud Westerns grado-B. Se las arregló para hacer un nombre por sí mismo desde el principio como alguien que podría realizar un proyecto. En el espíritu de su contemporáneo, Ed Wood, Jr., Ormond fue conocido por exprimir un dólar y ponerlo en películas rentables con presupuestos muy bajos.
Los Ormonds tuvieron un hijo en 1950. Como prueba de las conexiones en Hollywood de Ormond, su buen amigo Bela Lugosi fue elegido como padrino de Tim Ormond. Entre los años 1948 y 1952, Ormond produjo ahí una multitud de películas-B Westerns de una hora de duración para Howco. King of the Bullwhip (1950) sería el debut como director de Ormond. Escribiría, produciría y dirigiría ocho Westerns más terminando con The Frontier Phantom (1952).
En ese momento, la televisión se había apoderado del mercado de las películas-B del Oeste. Un ejecutivo de Howco pidió a Ormond que armara una película grado-Z con material de archivo no utilizado de una producción fallida diferente (título del trabajo Tarantula). Ormond estuvo de acuerdo con el proyecto en un esfuerzo por encontrar otros géneros cinematográficos para explotar, pero como informan Duncan y Ridley, «June Carr Ormond su hijo Tim recuerdan que odió la película». El artículo también afirma, «Ormond no fue tímido pidiendo a sus amigos participar en sus películas». Para su nuevo proyecto reclutó a su viejo amigo Jackie Coogan (el Tío Lucas de la Familia Adams) que desempeñó el papel de un «científico loco». A partir de las imágenes disponibles, Ormond logró armar un flojo complot en el que las mujeres secretamente están siendo transformadas en arañas. Hoy en día, Mesa of Lost Women (1953) es considerada como una de las producciones más notorias de Ormond. «Hoy, Mesa of Lost Women es mejor recordada por su infame e inepta banda de sonido de guitarra flamenca y armónica», dijeron Duncan y Ridley. Agregaron que la música de fondo también aparece en Jail Bait de Ed Wood, Jr. del año siguiente (1954).
Después de Mesa of Lost Women, Ormond co-dirigió, con Allen Nixon, Untamed Mistress (1956). De todos los relatos, Ormond se enorgullecía de los proyectos que controlaba él mismo. Esta película se combinó con un corto titulado Black Panther (1956) y contó con película real de la selva y contaba la historia de una chica criada por gorilas. Ormond, siempre hombre del espectáculo, no escatimó en la promoción y, de acuerdo con Duncan y Ridley, «prometió a todos los dueños de autocinemas que iban a ver el apareamiento de un gorila con una morena bien formada». Los autores citan el libro de prensa de Ormond de la película, «¿Quién sería su compañero… HOMBRE O BESTIA?» en el artículo de Nashville Scene, June es citada diciendo, «Untamed Mistress fue la primera película road-show que jamás manejamos, y nos dio $ 90,000 en tres meses en Texas. Así que estábamos afuera y corriendo».
El éxito de esta película cauterizó el sentido de Ormond de usar campañas publicitarias centelleantes para promover sus películas. Ormond continuó Untamed Mistress con un auto-proclamado «estudio freudiano de la represión sexual». Él reclutó a su viejo protagonista Lash LaRue para interpretar el hipnotizador que contempla con ceño en Please Don»™t Touch Me (1959). Duncan y Ridley se refieren nuevamente a los anuncios de Ormond de la película, «Debido al tema inusual de esta película, las palabras no pueden describir el contenido». Ormond iba bien en su camino a convertirse en un muy alabado maestro del morbo.
En el momento en que Ormond terminó Please Don»™t Touch Me, había perdido su fervor por el conjunto de Hollywood. Duncan y Ridley escriben, «tuvo que esperar otros cinco años antes de que pudiera subir a su siguiente película independiente». Mientras Ormond había demostrado que podía ofrecer sordidez estándar, sus siguientes películas tomarían el sabor frito sureño. Luz de Luna, coches de carreras, armas, y chicas eran temas populares en el público del sur, y de esa forma proporcionarían el telón de fondo de sus últimas películas de explotación. White Lightnin»™ Road (1965) debutó a otra recepción positiva. Esta epopeya de basura blanca contó con los temas normales asociados con el sur.
En 1965, Ormond descubrió una instalación de montaje de películas de bajo costo en Trafco (el brazo cinematográfico de la United Methodist Church), en Nashville, Tennessee. Se había cansado de Hollywood y decidió trasladar The Ormond Organization a la Ciudad de la Música.
De acuerdo con el Nashville Scene, «los Ormonds no perdieron tiempo para conseguir su primer proyecto en Nashville delante de la cámara». En ese momento, las estrellas del Grand Ole Opry se estaban dando cuenta del potencial de la televisión y el cine para expandir sus carreras musicales. June Ormond dijo a Duncan y Ridley, «Todas las personas aquí cuando llegamos por primera vez a Nashville eran muy agradables y bonitas», recuerda June Ormond. «Todos querían entrar en las películas».
Los Ormonds desarrollaron un proyecto titulado Forty Acre Feud (1967), que fue ideado como un musical centrado en un feudo de parientes en el campo. Curiosamente, varias de las grandes estrellas Opry querían estar en Forty Acre Feud. Los Ormonds cerraron acuerdos con cada uno por sólo $ 250 por canción. En ese momento, Duncan y Ridley informan, «el elenco se lee como un Quién es Quién de las estrellas Opry». Las actuaciones para la película incluyen Minnie Pearl, George Jones, Johnny Paycheck, Loretta Lynn, Ray Price, Skeeter Davis, Roy Drusky y Bill Anderson, entre varios otros. Además de las actuaciones musicales, el famoso disc jockey Opry Smilin»™ Eddie Hill hizo un camafeo y el alivio cómico fue proporcionado por Ferlin Husky y Del Reeves.
Bill Anderson contó a Nashville Scene en 1996, «Sabíamos que no estábamos haciendo Lo que el viento se llevó«. Anderson continúa afirmando que Forty Acre Feud de Ormond fue una de las primeras veces que se vieron y se oyeron artistas campiranos. «El cine era una de las únicas maneras para que los aficionados pusieran a una cara un nombre y sonido». La película finalmente dio sus frutos grandes en autocines rurales y creó un público para las películas de bajo presupuesto de música country. Hasta la fecha, Nashville considera los Ormonds su «primera familia de película». A medida que White Lightnin»™ Road y Forty Acre Feud aparecieron en los autocinemas en todo el Sur, estaba claro que Ormond estaba en su mejor momento como un autor de explotación.
Ormond comenzó inmediatamente a trabajar en su próximo proyecto, que iba a ser el «fin de todo» en películas de explotación sur-frito. Girl From Tobacco Row combinaría todo, desde todos los temas de sus dos películas anteriores en una alta aventura ballin. Una vez más, Ormond optó por el talento local empleando al disc jockey local de WSM, Ralph Emery y la estrella del country Tex Ritter en su última película. De acuerdo con el Nashville Scene, Tex Ritter, interpretó un predicador en la película, tomó su papel muy en serio telefoneando a su propio pastor entre las tomas para reunir asesoramiento técnico.
En total, Girl From Tobacco Row inspecciona cada tema clásico explotable en un contexto del sur. Sin embargo, presagiando los acontecimientos futuros, Duncan y Ridley escriben: «La película también contiene trazas de una fijación espiritual que perseguiría a Ron Ormond toda su vida». La combinación de mezclas de melodrama de selva virgen y la elevación espiritual sirve para dar al espectador una visión de las últimas películas de la carrera de Ormond.
Ormond, además de sus muchos otros talentos, fue un ex coronel de la Fuerza Aérea y un piloto experimentado. En 1968, Ron, June, y su hijo Tim entraron a un pequeño avión de pasajeros de la familia para asistir al estreno de Girl From Tobacco Row en Louisville. Poco después de despegar el único motor de la aeronave se recalentó y envió a la familia a estrellarse cerca de Donelson, Tennessee. Tim contó el evento diciendo: «Fue raro. Miré, y mi mamá y papá estaban simplemente tumbados allí con escombros por todas partes». A pesar de que Tim estaba ileso, tanto Ron como June sufrieron grandes lesiones que los mantuvieron hospitalizados durante seis semanas, según Duncan y Ridley.
Para Ron Ormond, el accidente sirvió como una epifanía. Él define los acontecimientos de su caída, como una señal de Dios. Sin embargo, los Ormonds se manifestaron en torno a una película de explotación final. A finales de la década de 1960, muchos de los contemporáneos de Ormond habían subido la apuesta a lo calificado como cine de explotación. Muchas de las películas de este período eran sustancialmente más sangrientas y más pornográficas (Blood Feast de Lewis y Vixen de Meyer). De acuerdo con de Nashville Scene, a los Ormonds no les gustaba las películas de Lewis o Russ Meyer. En un esfuerzo para coincidir con los gustos de estos directores, decidieron combinar ambos elementos en una película The Monster and the Stripper (1968).
Michael Weldon afirma que The Monster and the Stripper (también conocida como The Exotic Ones) se destaca como uno de los clásicos de todos los tiempos de las películas de explotación. Y, como Duncan y Ridley señalan, es sin duda la película más racista jamás filmada en una instalación de producción de propiedad de la iglesia metodista. Los Ormonds incorporan la ayuda de un grupo de bailarines exóticos dirigidos por Georgette Dante. Incluso June Ormond se metió en la acción mediante la reactivación de la danza de los abanicos de su pasado de vodevil. «Cuando se trataba de colar el monstruo, Ron tuvo que mirar más allá de su vecino de al lado, el imponente cantante de rockabilly Sleepy LaBeef», dijeron Duncan y Ridley. Los autores añaden que LaBeef también participó en la escena más famosa de la película que implica romper el brazo a una víctima y luego golpearlo hasta la muerte con la extremidad. En otra escena notable, LaBeef muerde la cabeza de un pollo y se unta con su sangre. Tim Ormond dijo en Psychotronic Video #26, «LaBeef no mató a la gallina por sí mismo; esa tarea se la dejó a Titania, quien rápidamente retorció el cuello del ave fuera de cámara y la arrojó de nuevo al monstruo. La edición hizo el resto».
La película abrió fuerte, pero no pudo asegurar la distribución independiente. La falta de financiación obligó a los Ormonds a cuestionar su futuro como realizadores de explotación. Luego que The Monster and the Stripper había demostrado ser un fracaso, Ron Ormond contempló un cambio importante en sus estrategias de realización cinematográfica. En 1970, Ormond experimentó un casi accidente y se vio obligado a aterrizar su avión antes de tiempo. Entre sobrevivir un accidente y experimentar un encuentro cercano con un segundo, se hizo evidente para Ormond que Dios le estaba enviando un mensaje. Él decidió llevar su cámara lejos de la suciedad y centrarse en alabar al Señor.
Ormond pronto unió fuerzas con Monty Stanfield y fue presentado al predicador Bautista del Sur Estus Pirkle. Pirkle conducía una congregación en New Albany, Mississippi, y estaba interesado en utilizar el cine para llegar a un público más amplio. Él ayudó a Ormond a recaudar fondos, aceptando donaciones en sus viajes a varias iglesias. Se animó a la gente a invertir en el proyecto, ofreciendo pequeños papeles y papeles como extras en la próxima película. Originalmente, Pirkle suponía que Ormond simplemente filmaría uno de sus sermones, pero en última instancia Ormond entregó quizás uno de los casos más impactantes de tráfico de temor religioso cometido alguna vez en una película.
Duncan y Ridley afirman que If Footmen Tire You, What Will Horses Do? (1971) es, de hecho, «la pieza más confusa de surrealismo de conciencia de presupuesto de cosecha propia, jamás filmada». Puede ser descrita como nada más que una película diseñada para asustarte hasta la mierda. Con muy poca trama o continuidad, Pirkle pronuncia un sermón extremo sobre los males modernos de la cultura joven de Estados Unidos y su potencial para derrocar a nuestro modo de vida (basado en los valores cristianos sólidos y libertad). La narración de Pirkle se entremezcla con varias escenas de tortura y adoctrinamiento comunista de familias y niños. Los soldados se componen de una mezcla desordenada de comisarios rusos y nacionalistas cubanos (todos con muy malos acentos).
En total, Ormond tiene éxito en la entrega de su película más violenta hasta la fecha. Bajo la presión de sus captores comunistas, las víctimas de esta película son violadas, torturadas, lavadas de cerebro, y obligadas a torturar a los miembros de su propia familia, y todo esto debido a que optan por no renunciar a su Señor y Salvador. A pesar del contexto previsto de la película, se mantiene como un brillante ejemplo del cine de explotación.
De acuerdo con Psychotronic Video, Footmen logró su propósito cuando un colega afirmó que había ganado un millón de almas. La película se exhibía principalmente en las reuniones y reposiciones de la iglesia y terminó con un llamado al altar, que al parecer fue una herramienta eficaz. Como Duncan y Ridley señalan, los pecadores convertidos fueron la nueva moneda en lugar de los ingresos brutos en taquilla.
La siguiente colaboración Pirkle/Ormond sería The Burning Hell (1974). El relato de esta pieza involucró a dos «tipos en motocicletas», Tim (interpretado por Tim Ormond) y Ken. Después de visitar a Pirkle en su casa, a ambos se les advierte del infierno que espera a aquellos que no son salvos por la «sangre de Jesús». Después que Ken sufre una muerte prematura debido a un accidente de motocicleta, Tim es dejado para enfrentarse a sus miedos de la condenación eterna. La película tiene lugar a través del sermón de una hora de Pirkle sobre la realidad de un Infierno eterno. Mientras que esta película es dócil en comparación con Footmen, hay momentos notables, como cuando Tim encuentra la cabeza decapitada de Ken en el lugar del accidente (todavía metida en el casco de la motocicleta). En general, esta película muestra el «país de Jesús» en su máxima expresión con una serie de personajes bíblicos hillbilly hablando con el tono cansino del sur profundo. Según se informa, Ormond hizo una película más con Estus Pirkle (título desconocido). El dúo se dividió por desacuerdos sobre los ingresos de las películas y Ormond se trasladó a crear otra película de miedo inspirada en Jesús.
Poco después de The Burning Hell, los Ormonds fueron presentados el Dr. John R. Rice, de Murfreesboro, Tennessee el ministro y editor de The Sword of the Lord, un periódico fundamentalista. Tanto Tim como Ron Ormond acompañaron a Rice a una visita a la Tierra Santa, la película de la cual Ormond utilizó para producir una película titulada The Land Where Jesus Walked. Debido a que Rice estaba contento con la película, presento a Ormond con Jerry Falwell y Jack Van Impe (también conocido como The Bible Machine, que era un apodo derivado de su capacidad asombrosa para situar virtualmente cada verso en la Biblia). Ormond reclutó a los dos para su próximo proyecto.
The Grim Reaper (1976) es predominantemente una advertencia sobre los peligros de intentar comunicarse con los muertos. En una familia estadounidense promedio, una madre y su hijo menor son Bautistas devotos; el padre y el hijo mayor se están alejando de la iglesia. El hijo mayor es un corredor de autos en ciernes y se mata brutalmente en un accidente de coche. Tal vez el resto de la historia se debe dejar al espectador.
A la par con la sensibilidad de Ormond, The Grim Reaper se adapta fácilmente a su molde Christploitation. Cecil Scaife fue un famoso ejecutivo de música de Nashville que trabajaba en relaciones públicas para Sun Records y para Columbia en este momento. Había participado como actor en proyectos de Ormond desde The Monster and The Stripper (interpretó el hombre al que mataron a golpes con su propio brazo). También actuó como el torturador comunista de los escolares en Footmen. En cuanto a The Grim Reaper, Scaife dijo en una entrevista: «Nunca olvidaré cuando filmamos The Grim Reaper en una locación en Mississippi». Él entonces cuanta cómo Ormond contempló la imagen del Infierno rellenando una gravera expansiva con neumáticos desechados y quemándolos en el fuego. «Fue increíble el efecto que tenían estos neumáticos en llamas. Parecía la reencarnación del Infierno». Todo el personal se quedó con la cara negra al cierre de la filmación, dijo Scaife.
Ron Ormond pasó el resto de su vida produciendo y dirigiendo películas de inspiración religiosa. Psychotronic Video afirma que tuvo un promedio de una por año hasta su muerte en 1981. Su proyecto final se tituló It»™s About the Second Coming, pero sucumbió al cáncer antes de su filmación. Tres días después de su entierro, el hijo de Ron, Tim tomó la silla del director.
En general, Ron Ormond ejemplifica la naturaleza del cine de explotación. Operando de manera eficiente con los presupuestos constantemente bajos, Ormond aprendió cómo conseguir los efectos deseados con lo que tenía a mano. Mientras que sus películas no pueden estar en una lista de los Top 20, definitivamente tienen su lugar entre el cuerpo general de trabajo y han continuado manteniendo su relevancia ya que las copias en VHS de sus películas son relativamente fáciles de encontrar.
La cuestión de su conversión es interesante. Es probable que una conversión religiosa universal entre todos los directores de explotación hubiera sido catastrófica. Sin embargo, en la pequeña instancia de Ron Ormond, en realidad nos proporcionó una ventana intrigante al cambio de roles. Ron Ormond tomó la decisión de enfocar su lente en una dirección diferente a los temas típicos de explotación. Afortunadamente, para nosotros, Ormond no pudo someter con éxito su agudo sentido para la explotación.
https://www.grindhousedatabase.com/index.php/Ron_Ormond
[1] Según la Wikipedia el cine de explotación o cine exploitation (inglés: Exploitation film) es una categoría cinematográfica en la que se agrupan las películas cuya temática aborda temas o detalles de interés lascivo, propios de la ficción de explotación; género de la ficción que basa su atractivo en los temas moralmente inaceptables y socialmente escandalosos como el comportamiento sexual humano, el erotismo, la violencia, el crimen o el consumo de drogas. El término «explotación» hace referencia a la recurrencia de un tema o corriente en un grupo de producciones cinematográficas, generalmente de bajo presupuesto, que pretenden obtener éxito comercial y colocarse dentro del culto popular con sus temáticas escabrosas, más que con su calidad estética.