¿Por qué los ovnis están por todas partes en el arte contemporáneo?
En estos momentos, en Nueva York, dos exposiciones revelan la fascinación de los artistas por lo inexplicable.
Hortensia Mi Kafchin, Nave espacial giroscópica (2025). Cortesía de Hortensia Mi Kafchin y P·P·O·W, Nueva York. © Hortensia Mi Kafchin. Foto: Ian Edquist.
11 de diciembre de 2025
Por J. Cabelle Ahn
La ciencia y la tecnología modernas han hecho poco para mitigar la antigua fascinación del público por los ovnis, los fenómenos inexplicables y la posibilidad de vida más allá de la Tierra. De hecho, esta obsesión milenaria no ha hecho más que acelerarse en los últimos años, a medida que el Pentágono ha desclasificado archivos sobre objetos extraños vistos desde las cabinas de la Marina y los gigantes de Silicon Valley han gastado miles de millones de dólares en perseguir sus propias ambiciones interplanetarias.
Los misterios de la galaxia aún superan con creces lo conocido, y dos exposiciones en Nueva York este invierno abordan este eterno enigma. «Voz del Espacio: Ovnis y Fenómenos Paranormales», en el Drawing Center (hasta el 1 de febrero de 2026), reúne unas tres docenas de obras de artistas que van desde René Magritte hasta Isa Genzken. «Pinturas Hechas para Extraterrestres Arriba», en PPOW (hasta el 20 de diciembre de 2025), una exposición individual de nuevas pinturas de la artista rumana Hortensia Mi Kafchin, explora las promesas y los fracasos del tecnofuturismo.
En conjunto, estas exposiciones muestran cómo el atractivo de los fenómenos no identificados y la tecnología que podría impulsarlos están vinculados con nuestros propios sistemas de creencias cambiantes, así como también cómo lo cósmico puede abrir un espacio para explorar la rareza, los mundos especulativos y los destellos de utopía vislumbrados a través de la distopía.
Canalizando ovnis
Los objetos no identificados en el cielo han fascinado a los artistas desde la antigüedad, con movimientos planetarios irregulares, lluvias de meteoritos y cometas a menudo considerados presagios divinos. El 14 de abril de 1561, por ejemplo, los habitantes de Núremberg informaron haber visto un choque aéreo de misteriosos globos, varillas y cruces. Una aurora rojo sangre sobre Gran Bretaña el 6 de marzo de 1716 se interpretó como una guerra celestial entre soldados sobrenaturales. Desde entonces, la física newtoniana ha explicado algunos de estos fenómenos (por ejemplo, el cometa Halley es ahora una magnitud conocida con una fecha de retorno predecible en lugar de una extraña anomalía nocturna que anuncia la caída de imperios), pero, a pesar de ello, los cielos han permanecido cargados de inspiración artística.
René Magritte, La voz del espacio (1931). Colección Peggy Guggenheim, Venecia (Fundación Solomon R. Guggenheim, Nueva York) © 2025 C. Herscovici / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.
Un ejemplo clásico es La Voz del Espacio (1931) de René Magritte, cedida por la Colección Peggy Guggenheim de Venecia. Expuesta por última vez en Nueva York en 1965, la pintura es el referente conceptual de la exposición homónima del Drawing Center. Descrita por la curadora Olivia Shao como «la Mona Lisa de las pinturas de ovnis», el lienzo presenta tres enormes orbes plateados que flotan sobre un paisaje bucólico; sus suaves formas metálicas presagian inquietantemente las innumerables visualizaciones de naves extraterrestres que vendrían después.
Aunque Magritte nunca describió la obra como si tratara sobre extraterrestres (dijo que las formas estaban inspiradas en las campanas crotales comunes en los vehículos tirados por caballos de la época), otros artistas en la exposición adoptan encuentros mucho más directos con visitantes cósmicos. Un ejemplo de ello es la artista del siglo XX Paulina Peavy, cuyas obras multimedia combinan figuras enigmáticas y abstracción al estilo del futurismo italiano. Las obras de Peavy a menudo se acreditan doblemente a ella y a Lacamo, un ovni personal que Peavy afirmó haber conocido después de asistir a una sesión espiritista en 1932. Peavy, quien murió en 1998, incluso hizo «máscaras de trance» enjoyadas para canalizar mejor a su colaborador extraterrestre, mientras que su cosmología multidimensional se convirtió en una forma de imaginar una utopía posgénero lejos de la realidad conservadora de la América de mediados de siglo.
Char Jeré, Go Bag (2025). Imagen cortesía del artista y Andrew Kreps Gallery, Nueva York.
Las obras más contemporáneas evitan canalizar las posibilidades para la visualización del pensamiento actual. También se exhiben en el Centro de Dibujo dos collages de Char Jeré, cuyas obras cuestionan la supuesta cosmovisión que subyace a la tecnología y el consumismo. En un correo electrónico, Jeré describe un posible encuentro no identificado en un embalse del norte del estado de Nueva York en 2001 como una inspiración parcial.
Los collages resultantes presentan objetos cotidianos que van desde papel de lija y globos hasta medicamentos de emergencia y más. Jeré (que usa los pronombres «ellos») describe las obras como «mapas y conjuros» cuyo objetivo final es descolonizar el presente. «Como señala Gil Scott Heron en su himno ‘Whitey on the Moon’, sufrimos para que existan el espectáculo tecnológico y el triunfo científico», afirman. «Estos collages resisten a los desechos de ‘espera tu turno’ que tan a menudo se lanzan contra las personas negras, las personas queer y las personas marginadas».
Cultivando la Inconsciencia
En otras partes de la exposición del Centro de Dibujo, los ovnis representan la fe y la conciencia expandida, en lugar de platillos voladores literales. «También aborda la experiencia humana transhistórica, los sistemas de creencias, la cibernética y la inteligencia artificial», dice Shao sobre la exposición. «Es un intento de mapear nuestra ubicación en el mundo».
Esta convergencia se cristaliza en tres piezas de Adam Putnam de su serie Visualización (2021–), que actualmente abarca más de 650 pequeñas obras sobre papel inspiradas en sueños y meditación. Al describir el proyecto como «una baraja de tarot en constante expansión», considera su construcción y expansión como una forma de «cultivar una conexión con el inconsciente o la mente supraconsciente».
Adam Putnam, Visualización 136 (2021-22). Cortesía de Adam Putnam y P·P·O·W, Nueva York.
La historia detrás de la incorporación de sus obras a la exposición revela una intervención casi sobrenatural. «Dejé que Olivia revolviera una pila y eligiera lo que le llamara la atención», recordó. «Una de las Visualizaciones [#59, 2021-22] que eligió fue bastante notable porque surgió de un sueño que tuve sobre ovnis… No hay ninguna indicación externa de esto, ya que es una obra bastante abstracta, pero algo en ella debió resonar con [ella]».
Esta concepción del inconsciente como una fuerza extradimensional se enmarca en un linaje más largo. Las visualizaciones de Putnam se sitúan junto a los dibujos de Sigmar Polke, quien a finales de la década de 1960 habló de recibir «órdenes» de «seres superiores». Se incluye en la exposición su dibujo a bolígrafo de 1968 de una longitud de onda, Comando de 28.8.68, con su título marcando la fecha de «transmisión». Para Polke, esos seres superiores podrían ser vistos como psicodélicos, divinos o incluso extraterrestres, una categoría elástica que le permitió aprovechar la fiebre ovni de la época para burlarse de la cultura de consumo de Alemania Occidental. Su señal vacilante que supuestamente llega del cosmos es, al final, en realidad un conducto a través del cual podría abordar los deseos terrenales.
Pinturas para extraterrestres
Cuatro cuadras al sur del Centro de Dibujo, una serie de pinturas de Kafchin en PPOW examina de manera similar cómo las preocupaciones por los extraterrestres a veces representan tensiones claramente terrenales. «El título ‘Pinturas hechas para extraterrestres arriba’ es en sí mismo un comentario político y social sobre la jerarquía de nuestro mundo y contexto cultural», afirma.
Hortensia Mi Kafchin, Sentir el espacio con los cinco sentidos (2025). Cortesía de Hortensia Mi Kafchin y P·P·O·W, Nueva York. © Hortensia Mi Kafchin. Foto: Ian Edquist.
Las pinturas de Kafchin abarcan múltiples épocas de la historia del arte, con referentes que van desde Salvador Rosa y Francisco de Goya hasta Leonora Carrington y Max Ernst. Las obras presentan un elenco rotativo de personajes que incluye, en sus palabras, «extraterrestres (que representan lo desconocido, los Extraños Celestiales), IA que aprenden de nuestra locura… y las largas e imposibles distancias entre las estrellas que separan a las diferentes civilizaciones».
Este ecléctico conjunto se inspira en su historia personal. «Nací en 1986 y abrí los ojos en una época en la que la tecnología era sinónimo de futuro», recuerda, señalando que su padre le contaba historias de Julio Verne, Isaac Asimov, Arthur C. Clarke y otros grandes de la ciencia ficción.
Las obras de Kafchin registran la brecha entre esa promesa tecnoutópica y las realidades entrelazadas del presente, para las cuales su identidad trans sigue siendo central. «Somos personas que pensamos de forma innovadora; está en nuestra naturaleza conectar con la magia, la fantasía, la tecnología, la adivinación, etc.», dice. «Necesito la validación de un poder superior a cualquier cosa que tengamos en la Tierra, como, por ejemplo, la Federación Intergaláctica o algunos vecinos más avanzados».
Hortensia Mi Kafchin, Flores de la Tierra / Primer Contacto (2024-25). Cortesía de Hortensia Mi Kafchin y P·P·O·W, Nueva York. © Hortensia Mi Kafchin. Foto: Ian Edquist.
Las pinturas difuminan intencionalmente la conspiración y la realidad, la aspiración y la invención. Kafchin cita la «hiperstición», la teoría del filósofo Nick Land según la cual una ficción ampliamente compartida puede dar origen a una nueva realidad. «Existe una frontera entre la hiperstición y la conspiración, como una fuerza desconocida que entrena o cosecha nuestra percepción de la realidad o la conciencia colectiva», señala. «Es curioso cómo los ovnis y la imagen de los extraterrestres concuerdan con nuestra época».
En este registro, los ovnis se vuelven menos un tema de contacto y más una cuestión de cosmología: una forma de replantear lo que significa ser humano. Como dice Jeré: «Si la guerra, la IA y el dinero pueden cambiar el mundo, entonces el arte también debería asumir esa misma responsabilidad, o al menos el reto de rechazar el mundo tal como es».
https://news.artnet.com/art-world/ufo-contemporary-art-2722708